28 de febrero de 2009

...Héroes de cabecera (VIII) Luciano Pavarotti

“Nunca habrá otra voz como la de Pavarotti” puntualizaba la mujer con la que compartió nodriza, con la que jugó de niño y creció y a la que acompañó con éxito en infinidad de Operas por los mejores teatros del Mundo, Mirella Freni lo quería como a un hermano y él presumía de esa amistad y añadía divertido, “He hecho de todo con Mirella, menos el Amor”

Mucho había llovido desde aquella primera “Bohème” en Abril del ‘61 en el teatro de Regio Emilia donde ambos iniciaron su andadura operística o aquel primer estreno en el 68 de La Traviata con Freni en La Scala, donde un joven y fornido Pavarotti la rescató del acoso de los periodistas que la asediaban sin piedad al terminar la representación: “Nana, (le dijo) trae la maleta que te llevo a casa”
Dos horas después dormían en sus respectivas camas en Módena.

De niño nunca tubo dudas respecto a su futuro, él quería ser futbolista profesional, no estaba mal, para venir como venía de padre panadero y madre cigarrera, aunque a pesar de todo, su madre no dudó en convencerle para que estudiara magisterio, fue docente durante dos años hasta que empezó a tomar lecciones de canto.

Pavarotti, creció grande en todos los aspectos, generoso con su voz y con su vida, feliz, bromista y un auténtico mago del Show Business, en el que él era el primer admirador de si mismo, por que él era el Espectáculo mismo. Actor que aprendió a dar las gracias desde el escenario, en un gesto muy particular abriendo su gran humanidad, que se proyectaba a través de sus brazos que extendidos hacían desaparecer tras ellos los decorados.


Hay muchos momentos importantes en la vida profesional del Tenor, pero sin duda uno de los de mayor trascendencia fue el de su aparición en el Covent Garden londinense, el joven mocetón emiliano de metro noventa fue llamado para reemplazar en La Bohème al gran Giuseppe di Stéfano, el triunfo fue total, triunfo que siempre le ha agradecido al público inglés, del que aseguraba que le debía su éxito y descubrimiento.

O en Dublín, encarnando al duque de Mantua de Rigoletto, donde llamó la atención del director australiano Richard Bonynge y de su célebre mujer, la soprano Joan Sutherland, quienes le contrataron para una larga gira que supuso el despegue internacional del tenor.

En el Metropolitan Opera House de Nueva York, también en una sustitución, interpretó la ópera La fille du régiment de Gaetano Donizetti, en el aria para tenor del final del primer acto hay uno de esos listones que se deben saltar en la carrera hacia el divismo y así lo hizo, Pavarotti sacó de las profundidades de su enorme estructura corporal los nueve “do” de pecho seguidos, fue la locura, el rey del do agudo se había convertido en "Tenor de Tenores", capaz de acometer esos agudos y acariciar las frases con una contundente sonoridad y sedosa fluidez, este feliz acontecimiento se vio correspondido con una portada en el Time


En EEUU empezó a demostrar que su talento tenía acomodo no sólo en el Metropolitan, sino también en el Madison Square Garden, donde fué pionero en la popularización de este arte, llevándolo más allá de los clásicos circuitos operísticos.



Solidario, como pocos, prestaba su voz y su imagen a cualquier acontecimiento que tuviera que ver con las necesidades e injusticias latentes en el Mundo, los marginados y sobre todo los Niños.

Con este objetivo nacieron iniciativas como “Pavarotti & Friends” o la donación de una importante cantidad de dólares para la compra de un terreno en el Sur de Chile donde edificar un hogar para niños abandonados, donde construyó el Hogar “Madre Eleonora Giorgi” en la localidad de Puerto Aysén a dos mil kilómetros al sur de Santiago.

Cantó para los niños de Guatemala, de Kosovo, de Angola, de Mexicali, refugiados en Zambia o en Afganistán, compartiendo estos eventos con cantantes del Pop como Sting, Bono, Zucchero, Lou Reed, James Brown, Andrea Bocelli, Grace Jones o renombrados diseñadores de moda italianos que apoyaban los citados eventos diseñando para cada uno de ellos camisetas que serían vendidas en los conciertos, incluyendo firmas entre otras de Giorgio Armani, Dolce & Gabbana, Gianfranco Ferré, Alberta Ferreti o Versace.

Pero lo que realmente hizo subir su popularidad fueron las actuaciones junto a los tenores españoles José Carreras y Plácido Domingo, bajo el conocido nombre de "Los tres tenores". En 1990 el trío dio un concierto de gala en las Termas de Caracalla (Roma), comenzando una carrera musical conjunta que les llevaría a recorrer el mundo entero, introduciendo los clásicos de la ópera a una audiencia estimada de 800 millones de personas.

La dimensión artística y humana de Pavarotti, ha sido la de un Superstar, solo comparable en la ópera a la de Caruso o Callas.
Él contribuyó decisivamente a que el arte lírico trascendiera más allá del propio espectáculo.
Era un Tenor de voz limpia y extensa, lírico y dramático, de una sonoridad culminada con cristalinos y dulces agudos que le permitían abordar todo tipo de repertorios y gestionar su tesitura vocal con la naturalidad que daba un canto sin artificios, su color, su timbre, su modo de expresar, han sido inigualables.

En su última aparición en público que tubo lugar en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Turín en febrero de 2006
Pavarotti, no cantó en directo, el frío calante y el agudo dolor que le debatía en su particular lucha contra un cáncer que le diagnosticarían mas tarde, le obligó a utilizar una grabación y el “Nessun Dorma” voló por última vez al cielo italiano y por extensión al resto del firmamento.


Luciano Pavarotti está en posesión de muchos premios, Un Grammy, Un record Guinness, etc. pero el que realmente cuenta es el reconocimiento de haber influido en la vida de millares de niños por todo el Mundo y el respeto y admiración de todos los amantes a la Música de todos los colores.

20 de febrero de 2009

...Héroes de Cabecera (VII) Andreu Alfaro

Todas las mañanas, al salir de casa con el coche, cogíamos la misma curva que escondía el carril de aceleración que nos depositaba en la autovía CV-35 de entrada a la Capital, la curva, larga en su lento y prudente recorrido bordeaba un pequeño montículo sobre el que se levantaba la escultura de Andreu Alfaro, una rápida mirada descubría cada mañana su silueta fría, laminada, brillante, con el dibujo de los tubos sobre las planchas de acero y cada mañana percibía en una parte diferente da la misma una lectura estimulante, sugerente.

...¿Cuantos de mis trabajos no habrán nacido al recuerdo e imagen de esos pulidos tubos rectos y curvos emergiendo de la tierra y encaramados hacia cielo?

Andreu Alfaro (Valencia 1.929), empezó pintando cuadros, dibujos y pinturas que desgraciadamente quemó cuando se dió cuenta que quería dedicarse a la escultura. Trabajando la hojalata y alambre con varillas y planchas laminadas de uso industrial, componiendo formas geométricas en las que el espacio forma parte consustancial de las obras, en ellas ya se evidencia la influencia teórica de Oteiza y la formal de Julio González.

Su trayectoria es de una notable diversidad en sus orientaciones, al igual que su capacidad para trabajar con los más distintos materiales tanto de carácter abstracto como geométrico, de hecho, lo que permanece como fundamento de toda su obra es el Dibujo como lenguaje plástico y simbólico, a través del cual concibe sus esculturas proyectando la línea en un espacio tridimensional.
Con 30 años se integra en el “Grupo Parpalló”, contribuyendo a su reorientación ideológica hacia un arte analítico que entonces se denominó "Normativismo”, lejos quedan aquellos tiempos en los que trabajaba afilando cuchillos en la carnicería de su padre.


Alfaro es un artista de trayectoria cambiante y diversificada, pero mantiene a toda costa el convencimiento de que la escultura debe servir para simbolizar actitudes y argumentos colectivos, algunas de sus obras manifiestan claras connotaciones políticas, exteriorizando de esta manera su admiración por el escritor Joan Fuster o por el clásico alemán Goethe alabando su honestidad dialéctica y su equilibrio personal



Su compromiso con el Arte es fundamental e incuestionable, alguien me ha contado que en la década de los sesenta, en plena cerrazón política, esconde clandestinamente en su casa de Rocafort al entonces socialista de Almassora Tomas Lloréns, persona clave (cuando los nuevos aires de Europa comienzan a llegar a la península) en la existencia de tres museos españoles, el Ivam, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza.

Suyo, (de Lloréns) es el mérito de traer al Ivam a Vicente Todolí, hoy director de la Tate Modern Gallery y becario que lo fué del Whitney Museum de New York.

Andréu Alfaro es un enamorado de los Museos, para él, es el de el Prado un lugar sagrado, con motivo de un acto de Homenaje en el que tubo que dirigirse en publico, comento:

“¿cómo puede uno atreverse a hablar en un espacio donde cada centímetro es testigo único de la historia del arte?”
Recuerda sus primeras visitas al Museo madrileño recorriéndolo casi de puntillas, como un niño, observando las obras que le rodeaban e intentando hacer el menor ruido. Hoy todavía cuando lo visita, invitado especial como componente de la Fundación de Amigos del Museo del Prado lo hace emocionado, empequeñecido y admirado considerándose parte de esa historia


En la década de los ochenta, Alfaro dio un giro a su producción reflexionando sobre grandes motivos culturales (el cuerpo humano, el Barroco, el tiempo y la memoria) usando materiales más tradicionales como la caliza o el mármol, destacando sus grandes obras, que construidas a escalas sorprendentes y con vocación de integrarse en los espacios públicos se encuentran en numerosas ciudades como Madrid, Valencia, Barcelona, Burgos, Colonia, Maguncia, Francfort.

En 1.980 se hace acreedor del “Premi d’Honor Jaume I, recibiendo mas tarde el “Premio Nacional de las Artes Plásticas” “la Creu de Sant Jordi” de la Generalitat de Catalunya y en 1.991 el premio de “Alfons Roig d’Arts Plástiques”

“Creo que mi escultura es mi vida. No he hecho esculturas al margen de mi vida. He hecho las que la vida me ha enseñado a hacer.”


Alfaro se considera a sí mismo como un heterodoxo, no sometido a ningún tipo de norma y dispuesto a defender la libertad por encima de todo. Esto explica una trayectoria artística en constante renovación, sin atenerse a modas ni corrientes estéticas, aunque ello le haya supuesto en ocasiones conseguir un menor reconocimiento.

Así, tras experimentar con composiciones minimalistas en los años setenta, irá desarrollando cada vez más claramente un interés por la escenografía y la figura humana.

15 de febrero de 2009

...Isas y Folías

Es tarde de Domingo, la vorágine de películas, deportes y telediarios me ha dejado hundido en el tres plazas de chinilla granate, (ahora, de una plaza longitudinal) a lo largo del día hemos fabricado campeones, odiado a políticos, compartido paellas, devorado Gintonics, (quien nos iba a decir que aquella bebida rica en quinina que nació precisamente para combatir la malaria de los soldados británicos desplazados en la India, que mezclaron con ginebra para poder mejorar el sabor, hoy sería cómplice compañera de las tardes de Domingo)

La película de la tarde no satisface a todos y zapeamos, ésta no, que es de sangre, esta tampoco que ya la hemos visto, dibujos animados, ...a estas horas?


Y en ese ejercicio tan cuestionable como socorrido que es el “Zapeo” sintonizamos con la Televisión Canaria y... Oh!! sorpresa, un grupo de niños cantan Isas y Folías, paralizamos el pulgar durante unos segundos y mantenemos el dedo en el aire, como desubicado, esperando un cm2. de superficie sólida sobre la que posarse y presionar, pero la melodía tiene algo, los niños que cantan tienen algo y acompañados por un grupo de adultos al son de timples, violines y guitarras nos descubren y recuerdan lo mas trascendente del folklore Canario.

Sus voces primarias, limpias y potentes, las de los adultos mas armadas y armónicas y todas juntas sin rubor se extienden a lo largo de todas las Islas Afortunadas, Folías, Isas, Malagueñaso o Polcas, se suceden unas tras otras sin descanso acompañadas a veces por danzas amorosas entre parejas de bailarines, en las que se dice que los hombres no pueden tocar a las mujeres, moviéndose frente a frente cambiando de acompañante y volteándose al castañeado de los dedos.

Se trata del programa “La Bodega de Julián” un espacio acogedor e itinerante en el que se dan cita las voces y los músicos que mantienen viva la cultura popular canaria, grupos más carismáticos y veteranos o jóvenes promesas de la canción tradicional canaria, junto a grupos de baile, solistas y timplistas todo ello aderezado con un buen vaso de vino y algo para comer.



Las Folías e Isas populares de Canarias constituyen una joya musical de inusitado interés, mas que un canto, son una exteriorización de los sentimientos y es por eso por lo que tiene ese carácter tan particular.
Acompañadas de bailes alegres y vistosos, constituyen piezas obligadas en todos los grupos de música popular del Archipiélago.

”La Bodega de Julián” al igual que “El Tenderete” son dos programas similares, que por una incomprensible razón se emiten a la misma hora en diferentes canales (cosas de políticos, seguro) ambos de raigambre entre los canarios, que reflejan la identidad, cultura y valores de los isleños en su forma más tradicional, una reunión de amigos que disfruta de la auténtica música en una bodega típicamente canaria.


Cada tarde de domingo, al compás de timples y guitarras, se dan cita los más afamados solistas canarios para deleitarnos con su música de diverso estilo. La Bodega de Julián es una creación de Alfredo Ayala, director del programa y está presentada por el veterano folklorista, Julio Fajardo.

Me pregunto, si además de las muchas y estupendas bandas de Música de los pueblos, ¿tenemos en la Comunidad Valenciana, algo parecido? (me temo, que conozco la respuesta)

12 de febrero de 2009

...Me enamoré de un I.P. (Ficción)

Hoy ha sido un día de febrero soleado y claro, una mañana limpia con un cielo azul Sorolla, y al atardecer, la copa de mi laurel recibía de soslayo un rayo rojizo del Sol, rebotado en el pavimento de hormigón pulido, reflejando los brillos de la fachada acristalada del edificio Mapfre, situado justo enfrente en la otra parte del Río.

Esta realidad irreal se produce muy de tarde en tarde, como algunos acontecimientos espaciales a partir de unas extrañas e inusuales coincidencias naturales, pero es una realidad de la que sólo queda el recuerdo, no da tiempo a memorizar, casi tan rápida como un atardecer, un momento de paso, sin dolor, sin felicidad, con total ausencia de datos.

Me viene a la cabeza otro hecho real o irreal (no sabría como definirlo), una historia de Ficción Internáutica también indocumentada, sin nombres, ni apellidos, una emoción nacida y ubicada en este sistema de comunicación tan sofisticado que es la Blogosfera y en la que uno es un Dios, un animal, un dibujo animado, un ojo escondido en un fondo de pantalla o simplemente una silueta gris sobre fondo gris,

Mi nombre es I.P. 134.32.106.42, es lo único de verdad que exteriorizo, las máquinas no se equivocan y esta identidad es la única real que manifiesto y no la puedo obviar, pues así me bautizó Telefónica del Mundo.

El nombre de mi blog, mi contraseña, mi perfil, mi foto, mis intereses, mis libros, películas o música preferida, mi edad, mi signo zodiacal o el chino, son los que son, pero podrían ser otros bien diferentes, podría ser de izquierdas o derechas indistintamente, casad@ o solter@, podría ser Hombre o Mujer.

Pero un día se cruzó en mi camino ínternáutico el I.P. 23.127.89.33 y me dejó un comentario

“Hola, soy Casiopea, llego a ti a través del blog de Andrómeda y veo que tenemos muchas coincidencias, me gusta lo que cuentas, te seguiré leyendo, Besos”

Para empezar no está mal, uno empieza desnudo y cuenta sus medias verdades con la intención de que como nadie las leerá, al final se las terminará por creer él mismo, el vacío bloguero es demasiado denso y evidente, uno frente a nada o casi nada, pero eso es el principio y tiempo habrá (si fuese necesario) para repasar o matizar en intercambios posteriores.

“Hola, Osa Mayor, gracias por tu visita, efectivamente tenemos muchas cosas en común (¿) será un placer sentir de nuevo tu presencia en este patio de recreo, ah, a mí también me gusta lo que escribes, Besos”

El I.P. 134.32.106.42, se pregunta, ¿Quien y Como será el I.P. 23.127.89.33?

De repente te encuentras con alguien de rostro abstracto, pero de mensajes meditados, de rasgos inciertos y de narraciones fantasiosas, pero tus neuronas se inquietan, buscas hilos con los que tejer un traje que te vaya a la medida, uno que te quede bien para los domingos por la tarde, que es cuando uno se pasea “Mudado”.

Y nos emocionamos ante tanta imprecisión, una nueva locura, adoramos la pasión del viaje por los mares de la Odisea y que los cantos de sirena nos mezan con sus siseos cibernéticos, el viaje a Itaca sin embargo, sigue siendo el mejor de los antídotos.

El I.P. 134... persevera y el I.P. 23... le corresponde y ambos asisten en el mas ruidoso de sus silencios a una comunicación que “in crescendo” toma forma corriente, como de Amor indefinido,
...¿pero, que sabe realmente I.P. 134... de I.P. 23... y viceversa.
Es como registrase en un hotel como el Sr. y la Sra. Smith, (como cuenta Dustin Hoffman en John & Mary) o participar en un concurso literario con seudónimo, solo que esta ocasión el premio no lleva implícito la identificación del premiado.

¿No es esta, una historia imposible que confirma la existencia del romanticismo, en un mundo donde falta tanta imaginación?

Insisto: Este relato es pura ficción, (..o no?)

Foto: Iban Ramón

8 de febrero de 2009

...Lila, alma de culebra.

“Las culebras macho, disfrazadas de nubes buscaban a través de su reflejo en los arroyuelos subterráneos a sus culebras hembras y le llevaban la lluvia, llenándolas de vida y proporcionando al mismo tiempo fertilidad a la tierra.”

Esta leyenda y otras parecidas, sedimentadas en su interior, Lila Downs las retoma una y otra vez, dándoles forma musical.
Hoy en día, todavía, algunos habitantes del pueblo de Apoala cuentan que un árbol gigante dio a luz a los hombres de piedra, en sus canciones, su voz cálida y aterciopelada se confunde con el mito.

La música de Lila Downs es una continua reflexión acerca de su herencia popular, con su voz colorida y versátil pasa de la alegría a la tristeza navegando sutilmente de la música popular a las sonoridades líricas, pasando por el Blues y el Jazz, en una mezcla natural con lo indígena.

Lila, es hija de la cantante de cabaret Anita Sánchez y de Allen Downs, un profesor de cinematografía escocés-americano circunstancia esta que le obligó a vivir parte de su vida a caballo entre México y EEUU.
Obtuvo la Licenciatura en Canto y Antropología en la Universidad de Minnesota, y además realizó estudios similares en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, creciendo de esta forma en una doble realidad, entre la tradición y la modernidad, perdida durante un tiempo entre estos dos mundos, al final escogió la música dando voz a las contradicciones y la riqueza cultural que lo habitan.
En los bares de Oaxaca, Lila Downs conoce a Paul Cohen, saxofonista neoyorquino, músico autodidacta, con el que se casaría mas tarde, encuentro del que surgirá una fructífera colaboración.

Lila se inicia en los secretos de las cantantes negras, en estas canciones, evoca los mitos aún muy arraigados en las comunidades indígenas, pero también canta las penas y las alegrías de éstas, su vida cotidiana o la discriminación que sufren. Para ello, retoma canciones populares de Oaxaca dándoles un toque muy personal, como lo hiciera ya en "Sandunga", primer álbum en el que Lila Downs juega con diferentes géneros musicales de la cultura popular mexicana, desde los primeros días de su vida, su destino estará por siempre ligado a la tierra de sus antepasados maternos.

Herencia, creación y una técnica enriquecida por su formación de antropóloga, confiere a sus interpretaciones una fuerza y un encanto que hechizan a quienes las escuchan, adivinándole una supernova incrustada en la garganta.
Lila posee una belleza indígena, curtida por un tiempo de mestizajes y de soles incas, en ella habitan en feliz convivencia los corridos y las rancheras con la música tribal de su país, de melodías a veces graves, otras parranderas y sostenido de voz que llega hasta el fondo del estómago, (el nuestro) turbadora y rica en coloraturas, natural en sus movimientos, desplegando un poderío ritual en su puesta en escena en la que manifiesta su instinto de danzarina, ornamentando sus actuaciones con un vestuario pleno de mensaje y espiritualidad hablándonos de lo viejo con lenguajes modernos.

Su álbum “One Blood” en el año 2.004, ganó un Latín Grammy su dúo con Caetano Veloso de "Frida" fue nominado al Óscar.

5 de febrero de 2009

...Gualtier Maldé, “Caro nome"




“El gobernador militar de Venecia, señor Gorzowski, deplora que el poeta Piave y el célebre músico Verdi no hayan sabido escoger otro campo para hacer brotar sus talentos, que el de la repugnante inmoralidad y obscena trivialidad del argumento del libreto titulado La Maledizione. Su Excelencia ha dispuesto pues, vetar absolutamente la representación y desea que yo advierta a esta Presidencia de abstenerse de cualquier ulterior insistencia al respecto...” Así, es como se las gastaba la censura de la Época, a pesar de que Verdi, intuyendo ese riesgo aceptara previamente el cambiar los nombres y los lugares, pero manteniendo el núcleo del Drama tal y como se lo había adaptado Piave sobre la novela de Víctor Hugo “El Rey se divierte”. La Obra ya había estado censurada en París, por manifestar abiertamente el libertinaje de un Rey, por ambas razones Verdi se avino a negociar con la autoridad militar italiana los cambios en el contenido de la nueva Opera que el Teatro La Fenice de Venecia le había invitado a componer para ser estrenada en la ciudad de los canales.


El asunto se resolvió gracias a la diplomacia de los administradores del teatro que una vez de acuerdo con Verdi y su libretista Piave, convinieron en modificar cinco puntos, a saber: Trasladar la acción de la Corte Real a una Corte menor. Cambiar los nombres de los personajes inventados por Víctor Hugo. Cambiar la escena en que el libertino posee una llave para acceder al cuarto de la protagonista por otra distinta que respete la necesaria decencia y por último la visita del Rey a la taberna será casual y no dictada por bajos propósitos. Verdi aceptó estas condiciones y el contrato se firmó. El Maestro, en cambio mantuvo la estructura tradicional del Melodrama con la complejidad de su protagonista, Rigoletto, y eso no lo pudo cambiar la censura con sus condiciones. Así fue cómo nació la ópera tal y como hoy se la conoce. El bufón Rigoletto es un personaje grotesco, que se mueve entre el afecto por su hija y el odio por el Duque y los cortesanos, exactamente tal y como Verdi lo quería reflejar.


A lo largo de la vida de las personas hay instantes especiales en los que se enciende una luz que es el principio y causa de otros muchos momentos iluminados, obviamente por aquella época ya conocía la existencia de los populares “brindisi” de la Traviata, el “va pensiero” coro de los esclavos de “nabucco” o incluso “La donna e inmobile” del mismo Rigoletto, pero fue precisamente al escuchar el “caro nome” cuando sentí el flechazo y me enamoré incondicional de algunas de las óperas del maestro parmesano. “Caro nome” es una de las más famosas arias de soprano de todos los tiempos, cantada por Gilda con sencillez y dulzura, empieza tímidamente y su voz se dispara llenándose de coloraturas que se hacen mas complejas tal y como avanza el aria, acompañada con una mínima orquestación ligera de flautas y violines que envuelven musicalmente este romántico tema. El duque escondido se entera de que Gilda es en realidad la hija de Rigoletto y tras sobornar a su doncella Giovanna logra entrar en el jardín de su casa y le declara su amor. El duque miente a Gilda sobre su identidad diciendo que es un estudiante y que su nombre es Gualtier Maldé. Afuera se oyen las voces de los cortesanos Ceprano y Borsa que planean el rapto de Gilda, a la que suponen equivocadamente amante de Rigoletto. El duque se marcha y ésta se queda sola repitiendo el nombre de su enamorado, “Caro Nome”.

                       


Caro nome che il mío cor
festi primo palpitar,
le delizie dell'amor
mi dêi sempre rammentar!
Col pensiero il mio desir
a te ognora volerà,
e pur l' ultimo sospir,
caro nome, tuo sarà.