31 de enero de 2009

...Huérfanos del "Conciertazo"

Fernando, tenía veintitantos años, hijo de Ataúlfo, era uno de los Tonis de Micky, extraterrestres en un mundo que soñaban con subir a la luna.

Un día tuvo que cambiar la melena de Beatle por un corte de pelo al “cero” con el que se reencontraría años mas tarde de nuevo flirteando con otro tipo de Música.




Acabo de ver en la 2 de TVE, por enésima vez una repetición mas de “El Conciertazo”, que aunque no pierde la frescura ni el objetivo para el que fue creado, deja un amargo sabor de boca al saber que según TVE esta podría ser la última multidifusión y que por otra parte no tengo conocimiento de que la promesa de TVE de poner en marcha otro programa con un formato similar dedicado a fomentar el interés de los mas jóvenes por la Música Clásica esté en marcha.

Aquella mañana, la del 8 de Octubre del 2.008 “El Conciertazo” suspendió por primera vez en muchos años la grabación del programa, esta iba a tener lugar en el Teatro Mira de Pozuelo de Alarcón y los alumnos de Primaria de Navalmoral de la Mata que habían conseguido de TVE la autorización para su asistencia vieron su “Gozo en un Pozo” siendo una vez mas las víctimas inmerecidas de unas decisiones político administrativas tomadas desde la arbitrariedad y los intereses, por otra parte habituales en las altas esferas, esas que tienen asegurado (aunque luego no asistan) un Palco en “El Real” durante toda la temporada.


La prejubilación de Fernando Argenta y la consiguiente suspensión del programa dio carpetazo al único espacio musical dedicado a los mas pequeños, que asombrados ante el sonido de la orquesta, aplaudían a rabiar, levantándose y jugando al ritmo de polkas, arias, sinfonías o marchas, metiéndoles en el cuerpo una dosis de ternura, de humor, de sabiduría y de música cariñosamente elegida que les atizaba Sábado tras Sábado nuestro querido Fernando.


La familiaridad y desenfado con la que presentaba y hablaba de los Clásicos propiciaba un tuteo de los niños con Bach “el viejo peluca” , reírse de los “pelos pelirrojos” de Vivaldi, que Mozart era un poco golfo y que se llevaba fatal con su jefe, el arzobispo Colloredo, que Purcell había sido profesor de niñas pijas o que Beethoven, además de estar sordo, era un tipo sentimental y tierno que disimulaba todo eso con su mal carácter.

Con él, los niños se aproximaron a todos esos genios con “peluca” severos, pero entrañables, de los que podían enamorarse y ahora todo eso se diluye en el tiempo a la espera de un relevo que se hace de rogar.
El Programa ya estaba hecho, sólo había que dejarlo crecer, pero el ERE de TVE, eufemismo con el que se disfrazó un despido colectivo indiscriminado, acabo con él y con su hermano mayor “Clásicos Populares” de RNE.
Cuanta ceguera (o sordera) de unos funcionarios mezquinos que sólo entienden de macrocifras, de balances o de cuentas de explotación, unos cretinos que, seguramente, jamás se han emocionado con una Marcha Turca o un dúo de La Revoltosa narrados por Fernando Argenta y que valorando con idénticos criterios han metido en el mismo saco cuestiones económicas y objetivos inherentes a las funciones propias de un medio de comunicación social como lo es el ente de TVE.
Burocracia que acaba, pues con uno de los Proyectos culturales mas necesarios para la Educación de la Ciudadanía juvenil en su relación con la Música Clásica, toda una institución que después de 9 años ha reunido en sus conciertos a mas de 250.000 niños.

“El conciertazo” fue galardonado con el Premio “UNICEF” y Fernando Argenta su creador y director ha recibido entre otros 2 Ondas, 3 APEI de Radio y Televisión, 3 Premios de la Música de la SGAE, 4 ATV de la Academia de Televisión, 1 Micrófono de Oro, 1 Tambor de oro de la Ciudad de San Sebastián, 1 Medalla de Oro de la Quincena Musical Donostiarra y la Medalla al Mérito de las Bellas Artes.


23 de enero de 2009

...Maldita Crisis.


Matías, se levantaba todas las mañanas a golpe de despertador, de un salto, se calzaba las zapatillas y durante unos segundos ponía en hora su consciencia, que perezosa, retrasaba su actividad respecto al resto de los elementos orgánicos de su cuerpo, ya en la ducha y una vez equilibradas las fuerzas repasaba mentalmente sus planes de trabajo, ordenaba sus compromisos, recordaba visitas, planificaba su tiempo, sólo el de hoy, (mañana sería otro día).

Matías es comercial autónomo, representa varias firmas de material de Papelería, desde lápices y bolígrafos hasta archivadores A-Z, papel, recambios de tinta, álbumes de fotos, chinchetas o gomas elásticas, pero desde hace un tiempo con aquello de “la crisis” los pedidos han descendido a cotas preocupantes, casi inexistentes, la presión es doble ya que por un lado los clientes han dejado de recibirle debido al exceso de existencias y sus representados le exigen cifras y le reclaman pedidos y mas pedidos.

Su discurso seductor, su argumentario repleto de tecnicismos, sus miserables comparaciones con respecto a otros productos similares de la competencia ya no tiene oportunidad de esgrimirlos como obuses directos al alma interesada de sus futuribles compradores, en definitiva, Matías no puede ejercer aquello para lo que había nacido, porque lo de ser un buen comercial es algo para lo que se nace.

Matías es un comercial serio, responsable y comprometido, está casado con una simpática señora que vende libros en un gran almacén, bajita de ojos claros a la que todavía quiere sorprender cada día, pero le faltan las fuerzas, le falta el ánimo, le falta la solvencia, le falta la confianza.

Ahora, Matías cuando suena el despertador, (porque sigue sonando como cada día a la misma hora) no tiene actividad que ordenar, citas que planificar, su mente le gana la partida a su cuerpo y le saca unos minutos de ventaja y con los músculos todavía dormidos se pregunta si merece la pena saltar de la cama, calzarse las zapatillas y sumirse en esa ducha gratificante que hasta bien poco marcaba el principio de una estimulante jornada, todo lo que le queda para hoy es repasar sus propias facturas y esas con las que sueña se las sabe de memoria.

Matías no lo entiende, ¿por qué se necesitan hoy menos chinchetas que ayer? o archivadores, ahora es el momento de guardar esos papeles que se nos amontonan alrededor de la mesa, ¿y bolígrafos, acaso la gente ha dejado de escribir? Cuando además se han inventado nuevas palabras y se acuñan nuevos términos como desaceleración, recesión, huracán financiero, crisis hipotecaria, estallido de la burbuja, etc.

Matías, quizás de momento tenga que cambiar de trabajo, fantasea con la concesión de los imposibles, descarta la ONCE y la Quiniela, por que no constituyen un negocio, sino un juego y además es imposible que le toque.

Piensa y piensa,
...ya está, venderá Tiempo, eso es!! ...venderá Tiempo, porque ahora eso es lo que le sobra, siempre hay alguien que necesita unos minutos para dedicárselos a los amigos, a la familia, a la reflexión, a la lectura o a uno mismo, que con demasiada frecuencia todo eso lo tenemos olvidado.

Desgraciadamente, esto no tiene nada de gracia, pero es necesario decirlo, sólo así, carente de Pasión y en un momento totalmente desafortunado, pero desde una voluntad de ser y seguir siendo los auténticos protagonistas de nuestra vida.

Foto de cabecera: Iban Ramón

20 de enero de 2009

...Héroes de Cabecera (VI) Jack Lemmon

"Mira Oswood, debo decirte la verdad. No podemos casarnos.
¿Por qué no?
Bueno, en realidad no soy rubia.
No importa.
Y además, fumo, fumo como un carretero
A mí no me molesta.
Y tengo un pasado muy agitado, desde hace tres años vivo con un saxofonista.
Te perdono.
Y nunca podré tener hijos.
Los adoptaremos.
¿Pero es que no me comprendes? (se arranca la peluca y dice con voz de hombre): ¡Soy un hombre!
Bueno, nadie es perfecto."

Sin duda, éste es uno de los grandes momentos de la historia de la comedia, la réplica de Joe Brown a un Jack Lemmon travestido tras el aspecto de una “atractiva” señorita en la escena final de “Con faldas y a lo loco”

En uno de los ascensores del Newton-Wellesley Hospital de Boston, se exhibe una placa que reza: “Aquí nació Jack Lemmon”.
El 8 de febrero de 1925, su madre, se dirigía al hospital para un nuevo control de rutina de su embarazo de siete meses y no le dió tiempo de llegar a la consulta: dió a luz en el ascensor.

Ocupando un espacio privilegiado en la memoria de varias generaciones de espectadores de todo el Mundo, Lemmon ha pasado desde aquellas primeras apariciones en la gran pantalla donde apuntó su talento para la comedia de enredo (años ’50) a mas tarde convertirse en emblema da la comedia ácida y costumbrista, hasta hacerse sátira (años ’60) interpretando personajes prototipo del hombre medio norteamericano, un tipo corriente entre torpe e inteligente, haciéndonos padecer su patetismo de perdedor ya sea en el Amor, el Trabajo o en el Juego, y finalmente (años ’70/80) convertido en una estrella fulgurante y poseedor de una madurez interpretativa incuestionable con incursiones en el cine mas comprometido y dramático

A Lemmon, como a la mayoría de los grandes no le son ajenas las dificultades de los comienzos, trabajó en la Radio sirviendo de telegrafista durante la segunda guerra mundial, en New York, en un local de la Segunda Avenida donde acompañaba al piano la proyección de películas mudas, en el Teatro, primero con una compañía de repertorio en Nueva Inglaterra, luego en Broadway a partir de 1953, en Televisión, donde comenzó como extra en los años cuarenta y que le dio la agilidad que da el directo o en el Cine donde el Actor comienza a asomarse a las pantallas con roles secundarios.

En mi opinión, tanto “El Apartamento” (Billy Wilder) que fue su consagración y donde por primera vez empleó la comedia para urdir un melodrama extraordinario y en “Días de vino y rosas” (Blake Edwars) con un trabajo individual formidable donde el director explotó al máximo el histrionismo de Jack Lemmon, ambas filmadas a principios de los ‘60 suponen la reafirmación de este gran Actor, que a partir de ese momento consigue el reconocimiento por parte de público y crítica respecto a la versatilidad y fuerza de sus interpretaciones, poniendo de manifiesto una gran maestría para dominar personajes tan aparentemente sencillos, pero enormemente complejos y ricos en matices.

Poco dado a narcisismos excesivos y a ostentaciones innecesarias, firma una colección de títulos esencial y definitiva entre los que cabría destacar: Irma la Dulce, La extraña pareja, Desaparecido, Primera Plana, El síndrome de China, JFK caso abierto, entre otros muchos además de los citados Con faldas y a lo loco, El Apartamento o Días de vino y rosas.


8 nominaciones a la estatuilla dorada, 2 de ellas como ganador, una al mejor actor y otra de reparto son los premios que recibió de la Academia de Cine Norteamericano.

Mención inevitable en cualquier comentario que se haga sobre este inefable cómico bostoniano es su relación con el Director que le dirigió en siete ocasiones, Billy Wilder que se sentía tremendamente feliz de trabajar con él.

Cuentan que en 1.966 Lemmon conoció a Walter Matthau en un Bar y desde entonces consolidan una amistad sobre la que se construiría uno de los grandes binomios cómicos de la historia del cine.

En diez ocasiones compartieron cartel, el Amor y Agradecimiento que Matthau sentía por Lemmon era infinito, no en vano era el responsable de su tardío triunfo en el Cine, Jack Lemmon lo eligió junto a su esposa Felicia Farr para su debut como realizador en Kotch, papel que le valió la primera candidatura al Oscar como protagonista.

El caprichoso destino, la casualidad o lo que sea ha querido que en la muerte de ambos, separadas tan sólo por 1 año compartan Malvas en el mismo vecindario, en la lápida de Lemmon a igual que en la de Groucho Marx no falta el epitafio irónico “Jack Lemmon está en casa”

15 de enero de 2009

...Héroes de cabecera (V) Antonio Tàpies

Antonio Tàpies, cumplió el pasado mes de Diciembre 85 años, de los cuales 50 se los ha pasado inclinándose sobre las telas situadas a ras de suelo (la única forma de estabilizar tanta materia) y el cuerpo le ha pasado factura, provocándole una enfermedad que con humor califica de laboral y que le obliga a llevar un bastón, pero la verdad es que aunque externamente parezca (sea) un anciano, su obra no sufre ningún achaque, al contrario, basta ver la potencia de sus materias, textos y colores.

Su humor, vitalidad y espíritu joven quedan reflejados en una serie de piezas plasmadas sobre maderas y telas de diferentes formatos realizadas el último año.

En el año 2007 rodeó su actividad de un hecho generoso y a la vez envuelto en cierto misterio al donar todo su legado personal al Instituto Cervantes que quedó custodiado en la “Caja de las Letras” concretamente en la caja nº 999, donde permanecerán bajo llave hasta el año 2.022


Antonio Tàpies, no pudo viajar por problemas de salud, así pues el acto se formalizó con la presencia de la directora del Instituto Cervantes, Carmen Caffarel quién acompañó al hijo del pintor, Miguel, director de la Fundación Tàpies en el momento de guardar el legado de su padre, cuyo contenido hará público al concluir el plazo pactado.

Tàpies, dibuja y dibuja acumulando álbumes con el material en el que va recogiendo ideas, pero asegura que en último término trabaja por instinto, “Sufro pintando porque dudo mucho siempre, pero no me explico las cosas intelectualmente sino que si la pintura suena bien, lo noto físicamente"
Tres años de Derecho en la Universidad de Barcelona fue todo lo que aguantó antes de dedicarse por completo a la pintura, autodidacta e inicialmente surrealista a finales de los ’50 dio un giro de timón hacia la abstracción con la inclusión de objetos cotidianos con cierto deterioro, que fueron la base de algunos de sus trabajos, utilizó arcilla y tierra en sus pinturas, luego papel, arpilleras y cuerda, personalizándola con trazos precisos y completándola con las letras y palabras mediante las cuales ha ido construyendo su universo más particular y característico, donde encontramos un cierto número de signos conocidos, señales y formas que coinciden con la mitología, formas en T, en X, en Y, signos como el + y el -, cuadrados y triángulos con un significado mítico y compositivo


          
                   

A través de su obra ha impuesto como valor total la materia, frente a la forma, que era el valor tradicional de toda la historia de la pintura. recupera el grueso empaste, tratado mediante trepas de malla que, una vez arrancadas, convierten las estructuras en llagas y heridas, efecto que se intensifica, a la vez, por el monocromatismo de los colores vivos.

El trabajo del pintor barcelonés ha sido siempre sensible a los acontecimientos sociopolíticos del momento, a finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura se intensifica, y las obras de este período tienen un marcado carácter de denuncia y protesta.

Mas tarde, a principios de los ochenta, una vez restaurada la Democracia en España, el interés de Tàpies por la tela como soporte adquiere una fuerza renovada y mantiene activo el campo de la obra gráfica.

En los museos entre otros de Madrid, Valencia, Barcelona, Bilbao, París, Cuenca o New York, la obra de Tàpies está presente y la reacción como espectador es una provocación a la reflexión, al detenimiento, a la búsqueda y el descubrimiento de lo sublime ante una realidad cotidiana banal y predeterminada, con la obra de Tàpies no valen los pensamientos previos, todo despunta de nuevo a partir de su mensaje, un mensaje expresado a través de un universo de signos.

8 de enero de 2009

...Dos de Cal

Días de fiesta, de vacaciones, de mini o maxi puentes,

Días de horas libres, de ocio controlado y disposición para recuperar actividades y situaciones aparcadas en el que terminó siendo un verano corto e insuficiente y sin saber como, instintivamente se extiende el brazo a la estantería donde reposa ese libro por terminar, esa película por ver de nuevo o esa música que recordabas con cierta distancia o habías olvidado y que siempre querías volver a escuchar.
...en esas estaba, cuando en el fondo de una hilera de Dvd’s reparo con sorpresa en dos Óperas que creía perdidas o prestadas, que a efectos viene a ser lo mismo.

La Traviata de Aix-en-Provence (2.003) y La Boheme de Sydney (1.993)

Tengo que reconocer que no son dos grabaciones de referencia, pero por tratarse de quienes y de cuales se trata y recordando que su estética en su día fue reveladora para mí, alimento al instante la posibilidad de una revisión casi inmediata.

Han pasado muchos años y otras versiones en Dvd’s y en directo he presenciado y evidentemente el impacto no es el mismo que el de entonces, pero me las calzo una detrás de otra, vacío la caja de bombones, lo cual me traerá mas tarde algún que otro contratiempo familiar, pero no importa he aprovechado la tarde, Puccini, Verdi y los bombones se me salen por las orejas y me han dejado una maravillosa sensación de felicidad, son más Fiestas a partir de ese momento.

Baz Luhrmann en 2003 llevó su producción de La Boheme a el Teatro Broadway en la ciudad de Nueva York, donde obtuvo 7 Premios Tony.
Originalmente fue en Sydney en 1990, cuando dirigió la puesta en escena de esta ópera de Puccini, de la que se editó en 1993 según cuentan, la primera ópera en formato DVD de la historia. Revitalizando esta Obra romántica y acercándola a un público mas joven, lo que hace de esta versión una introducción ideal a la ópera para los no iniciados.

Reambientada en los años '50, los cantantes representan una edad y un físico que suaviza el crudo salto imaginativo al que nos tenían acostumbrados con un tenor poco agraciado como el bohemio poeta Rodolfo o una robusta soprano como la enferma de tisis Mimí.

Las Interpretaciones son correctas, suficientes, especialmente las del tenor David Hobson y la soprano Cheryl Barker, ambos australianos, sus voces son bastante livianas y adecuadas a los roles, puesto que el énfasis está según Luhrmann en hacer la historia emocionante y no en la perfección musical.

La Producción grabada en vivo en The Sydney Opera House, permite mediante planos cortos ver a los cantantes desde más cerca, lo que le da cierta credibilidad y un aire de verosimilitud que se aprecia solapada con una actuación acertada o al menos no tan amanerada como era lo habitual.

Luhrmann crea un espectáculo que junto a la música emocional de Puccini hacen una combinación ganadora y los cantantes / estrella que lleva son jóvenes y físicamente atractivos, con una escenografía algo transgresora e interesante, donde los colores vivos que usan los amigos bohemios contrastan con el blanco y negro de una extravagante muchedumbre parisina, sobre un permanente fondo de tejados abuhardillados que nos recuerda en parte la estética que retomaría en Moulin Rouge, en especial viendo a Rodolfo y Mimí cantando "O Soave Fanciulla" en una azotea, frente a un gran letrero que dice "L'amour. "

Para los fans de la ópera en Francia, en 2003 se suponía que iba a ser el año de “La Traviata".

Dos montajes compiten en el país galo, en los festivales líricos de Aix-en-Provence y el Chorégies d'Orange, se ofrecen dos candidatas para la Violeta de Verdi, Mireille Delunsch e Inva Mula.
La producción de Aix, conducida musicalmente por Yutaka Sado y con dirección de escena de Peter Mussbach, estaba prevista para principios de julio con una retransmisión televisiva de cobertura nacional.
A finales de junio, sin embargo, una tormenta política estalló con un paquete de reformas para los trabajadores temporales en las artes del espectáculo.
La Traviata de Aix es una de sus primeras víctimas, pero sobrevive con una única actuación, en la que una radiante rubia platino Mireille Delunsch, bordea los límites de su arte.

Filmado por Don Kent, con un punto de vista totalmente cinematográfico, expresando la dulzura, la emoción, explorando todos los registros de la soprano francesa, que vestida de un blanco inmaculado nupcial, evoca el icono del sacrificio atrapada por la tragedia, una producción atrevida con un brillante y largo flash back, que deja sin aliento al espectador y donde la escena se ve iluminada desde el asiento de un hipotético conductor, que presencia una sombra conmocionada que vaga por la carretera en una noche fría y lluviosa, personaje frágil que busca aliento en el escenario para lograr un equilibrio que el destino acaba negándole, lejos de usos tradicionales la visión de Mussbach funciona perfectamente incidiendo en todo momento que el fondo principal de esta ópera es la Muerte

6 de enero de 2009

...Noche de Reyes


Estaba yo anoche, intentando conciliar el sueño,

...la noche de Reyes ya se sabe, a los niños a pesar de desearlo nos cuesta mucho dormirnos, los nervios, el respeto, el miedo a unos Magos que entran por el balcón y a los que no debes ver, y al amparo del silencio y la oscuridad de la noche te dejan los solicitados y merecidos regalos al pie del abeto o junto al belén.

..decía que anoche mientras intentaba dormirme, vi moverse una sombra por el fondo del Salón, quise adivinar que era Baltasar, porque en la oscuridad pasó desapercibido, me dormí del susto.

Hoy al despertarme, he corrido al montón de paquetes envueltos con papeles de colores, lazos y nombres de los destinatarios, “para Carol de Melchor”, “para Vanessa de Gaspar”, “para Alejandro de Baltasar” y uno pequeño al fondo, envuelto con sedas azules y cintas doradas, decía: “para tus amigos de Blog”

…que sorpresa, lo he pelado con torpeza, con nervios y esto es lo que había dentro, para vosotros "Amigos del Blog"


3 de enero de 2009

...Héroes de Cabecera (IV) Tadao Ando


En las paredes del Studio de Tadao Ando existe un vacío cuyo contenido no echamos de menos, esa ausencia es el título académico de Arquitecto.

Soñador que tuvo un sueño, vocación, ideales y energía para convertirse en el autodidacta arquitecto japonés más adorado del planeta y hoy ese soñador tiene un plan para transformar Tokio, la mayor metrópolis de la tierra: “La Ciudad abierta al Mar”
Cree que es el momento de permitir que esa ciudad, cuya población supera los 30 millones de habitantes con su zona metropolitana, se afloje el nudo de la corbata y se dé un baño de aire fresco a través de un gran corredor verde que cruce la ciudad dejando paso al aire marino que llegaría desde una puerta vegetal de 88 hectáreas en medio de la bahía de Tokio, permitiendo al aire fresco penetrar en la Metrópolis.
En este proyecto cuenta con la colaboración del Cantante de U2 Bono, al que actualmente le diseña su residencia.

Tadao es alegre, para la gente de su ciudad sigue siendo Ando de Osaka, inquieto, quizás demasiado para el gusto oriental, se relaciona con naturalidad con estudiantes, taxistas, amas de casa, contento de estrecharles la mano o firmarles algún autógrafo.
Crecer en una casa humilde, estrecha y alargada de dos pisos, fría en Invierno y sofocante en Verano hizo alimentar en él un sentimiento de indignación contra la sociedad que le estimuló a luchar por mejorar la condiciones de Vida.

En una escasez económica notable, ahorró durante semanas para comprarse un libro sobre Le Corbusier, repasando con un lápiz una y otra vez los dibujos de éste, hasta que las páginas quedaron ilegibles.

En 1.989 Tadao Ando empezó sus dos primeras obras fuera de Japón, el Pabellón de conferencias para Vitra, Weil am Rhein en Alemania y el Pabellón de Japón para la Exposición Universal de Sevilla, acabó primero el Efímero de Sevilla que sólo existió lógicamente durante la Exposición, pero que nos dejó boquiabiertos ante el mayor edificio de madera del mundo, tradición y contemporaneidad, cuatro plantas con vigas y columnas de madera recubierto de chilla. En el exterior, Iroko, en el interior abeto canadiense combinado con techos de nervadura de acero recubiertos de teflón.
Después de la cola de rigor accedimos al interior del piso superior cruzando un puente con el que se quiso simbolizar el transito entre la orilla del Japón tradicional a la ribera de la era moderna.

Pero Tadao, es indiferente a la arquitectura que emana enteramente del intelecto, porqué a diferencia de la belleza superficial, “la única expresión que produce emociones sublimes en el observador es aquella en la que un creador se juega la Vida.”

Representa la modernidad, la vanguardia, partidario del uso de materiales de texturas crudas, desnudas y orgánicas, delicados al tacto, “la memoria reside en el tacto de las cosas” sus trabajos combinan formas del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, despojados de toda ornamentación, que sirven como superficies para captar la luz.

Ando es un poeta del hormigón que de niño aprendió a trabajar la madera gracias a un carpintero que vivía frente a su casa. Aquellas lecciones resultaron inestimables, la excelente manipulación del encofrado de madera para modelar el hormigón otorga a sus edificios una perfección sedosa. Los agujeros de los tornillos en el encofrado de sus paredes lisas se han convertido en su marca personal.




La Iglesia de la Luz en Osaka es posiblemente su trabajo más conocido y teatral, por el que recibió el Pritzker (el Nobel de la arquitectura) en 1995. La iglesia, muy pequeña, es un rectángulo de cemento iluminado por un agujero en la pared con forma de cruz gigantesca. La metáfora de la luz como símbolo del poder de Dios se desarrolla aquí con una sensibilidad y un poder fulminantes.

Viajero y audaz, reconoce que los golpes que de joven aprendió en el boxeo fueron más sutiles que los que le ha regalado el mundo de la arquitectura de la que opina que sólo se considera completa con la intervención del ser humano que la experimenta.

Hoy con abundancia de reconocimientos, cátedras, menciones, premios y mas premios y una obra emblemática, Tadao Ando es el Arquitecto de referencia que en sus diseños rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas otras obras arquitectónicas.

Fuente de Documentación: M. Furuyama (Taschen) Fotos: Sanghyun Lee y
http://www.andotadao.org/